Crítica: Diário de um Banana – Caindo na Estrada

Com um certo atraso, mas ainda em tempo, o filme Diário de um Banana – Caindo na Estrada pode ser uma boa dica de diversão, se você resolveu – com o perdão do trocadilho – não cair na estrada neste feriado prolongado e procura uma opção despretensiosa para curtir com a família. O longa-metragem é baseado na série de livros do autor americano Jeff Kinney, que já está no 12º. volume (a ser lançado em novembro) e já teve três filmes antes deste: Diário de um Banana (2010), Diário de um Banana 2 – Rodrick é o cara (2011) e Diário de um Banana 3 – Dias de Cão (2012).

É o quarto filme da série, mas adapta o nono livro.

Apesar disso, os filmes não seguem a cronologia dos livros, sendo, respectivamente o primeiro, segundo e quarto volumes. O atual filme adapta o 9º. livro da série, que é também o mais engraçado por colocar o protagonista, o impopular Greg Heffley, em situações para lá de inusitadas quando seus pais resolvem tirar um final de semana em família e visitar uma velha tia que fazia seu 90º. aniversário e morava em outra cidade. O filme também segue essa premissa e reserva bons momentos com as confusões de Greg e seus familiares pela estrada, lembrando bastante a série de filmes Férias Frustradas, protagonizados por Chevy Chase.

Estreia embananada

A novidade deste longa é a troca do elenco, uma vez que o ator Zachary Gordon, intérprete de Greg Heffley nos três filmes anteriores, cresceu e não tinha mais condições de representar um adolescente na faixa dos 14 anos. O novo “banana” é interpretado Jason Drucker, que não faz feio no papel, além de ser muito mais parecido com a caricata figura dos livros do que Gordon. No entanto, o garoto não tem o mesmo carisma que seu antecessor, o que pode ter prejudicado o desempenho do filme.

Um passeio em família se torna uma verdadeira saga para os Heffley.

O restante do elenco é formado por Alicia Silverstone e Tom Everett Scott, como os pais de Greg, Charlie Wright, como o irmão Rodrick (esse sim, ruim de dar dó) e Owen Asztalos como o melhor amigo Howley, cuja participação foi relegada a uma breve aparição no início e outra no final do filme. Uma pena. Os gêmeos Dylan e Wyatt Walters se revezaram no papel de Manny, o irmão mais novo de Greg. A história mostra a mãe de Greg querendo criar situações que aproxime os membros da família, contrariando os filhos, que preferem ter sua própria diversão. Ela organiza uma viagem para visitar uma tia nonagenária e Greg só aceita porque o caminho fica próximo de uma convenção de videogames, onde ele poderá conhecer seu ídolo do You Tube e, dessa forma, ganhar popularidade entre seus amigos.

Referências…

Obviamente, nem tudo – leia-se “nada” – dá certo nessa viagem, que é recheada de trapalhadas e situações inusitadas, principalmente com a presença constante do “Sr. Barbudão” (Chris Coppola), um pai de família totalmente mal educado, também passeando com seus familiares e que, para azar de Greg, segue o mesmo caminho. O tremendo azar do garoto reserva até uma engraçadíssima referência à cena do chuveiro de Psicose (1960), entre outras gags.

“Peraí, essa nota tá mais baixa que a da banda Fräwda Xeia”

Nos Estados Unidos, Diário de Um Banana – Caindo na Estrada teve a pior cotação dos filmes da série (apenas 39 no Metascore, site que faz uma média das notas de vários sites especializados, contra 56, 51 e 54 dos longas anteriores), o que não deixa de ser estranho, uma vez que o diretor David Bowers manteve o espírito da franquia (apenas o primeiro filme teve direção de Thor Freudenthal). Mais do que isso, ele é também o roteirista, juntamente com o autor Jeff Kinney (que também faz uma aparição no filme, a exemplo de Stan Lee nos longas da Marvel). A justificativa, provavelmente, se deve à troca de elenco, cuja falta de entrosamento transpareceu no resultado final e, para um filme familiar, é uma falha irreparável.

Caindo na estrada… literalmente.

Uma pena, pois Caindo na Estrada é um filme divertido e fiel ao livro no qual é inspirado. Não se trata de uma produção para arrancar elogios nem para concorrer ao Oscar, mas também não justifica uma cotação tão negativa, principalmente porque cumpre aquilo a que se propõe, que é ser uma comédia feita apenas para descontração. Nesse quesito, o longa vale mais a pena do que o stress causado por horas perdidas numa estrada congestionada.

Cotação: 

 

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Em primeira mão: Inumanos

Numa parceria entre a Marvel Studios e os cinemas com tecnologia IMAX, foram exibidos ontem no Brasil (e hoje nos Estados Unidos) os dois primeiros episódios da série de TV Inumanos (Inhumans, 2017), que estreia no final deste mês pelo canal ABC (exibido pela Sony no Brasil). Editados em formato de longa-metragem, o filme tem 78 minutos e, ao contrário do esperado, não se tratou de uma exibição única, mas ainda pode ser visto nos próximos dias em cinemas equipados com a tecnologia IMAX (tela gigante e sistema de som stereo com 7 canais e projetor de alta definição).

Figurino do elenco foi motivo de piada nas redes sociais.

As primeiras exibições para a imprensa americana não foram muito favoráveis, resultando numa enxurrada de críticas que minaram o interesse do público pelo seriado dos desconhecidos heróis. Para piorar, o preço elevado da sessão em IMAX (R$ 53 reais) também não ajuda a atrair o espectador para estas sessões especiais. Somado ao fato de que a página da IMAX no Facebook e os próprios cinemas não tinham informações detalhadas sobre locais e horários de exibição, a estratégia da Marvel para impulsionar o seriado não foi lá muito acertada.

Adivinhe por que os Inumanos não usam chinelos…

Independentemente disto, a série é interessante e representa com fidelidade os personagens na tela. Escondidos da perseguição dos humanos na Lua, os Inumanos são uma raça de seres evoluídos onde cada membro tem um poder diferenciado, que ele recebe após se submeter a um processo chamado Terrigênese, no qual cristais especiais formam um gás que, absorvido, despertam os genes evoluídos em seus corpos. A série foca a família real inumana, formada pelo líder e rei, Raio Negro (Anson Mout), sua esposa Medusa (Serida Swan), a irmã dela, Cristalys (Isabelle Cornish), o chefe da guarda Gorgon (Eme Ikwuakor), o conselheiro Karnak (Ken Leung), seu irmão Triton (Mike Moh) e Maximus (Iwan Rehon), o irmão de Raio Negro. Completa o grupo o fofíssimo Dentinho, animal de estimação de Cristalys, que se assemelha a um buldogue gigante. 

A série já começa com cena de perseguição.

A história começa com o desaparecimento de Triton, aparentemente morto ao tentar ajudar uma inumana na Terra a fugir de um grupo de caçadores que a perseguia. Durante uma cerimônia de terrigênese, dois irmãos se tornam inumanos e um deles adquire o poder de ver o futuro, alertando Maximus de que ele seria atacado por serpentes, que ele entende ser os cabelos vivos de Medusa. Cansado de se esconder dos terrestres, o ambicioso inumano – o único que não possui poderes especiais – decide dar um golpe de estado e tomar o poder a fim de dominar nosso planeta e estabelecer aqui seu novo lar.

Maximus quer saber a marca do shampoo de Medusa.

Com a ajuda de Dentinho, que tem o poder de teletransporte, a Família Real é transportada ao nosso planeta, mais especificamente na ilha do Havaí, mas cada um num ponto diferente, exceto Cristalys, que é capturada antes de conseguir fugir. O problema é que, ao chegar à Terra, os Inumanos desconhecem nosso cotidiano e, obviamente, causam problemas. Separados, mas próximos, eles precisam se reencontrar e se unir para retornar à Lua, recuperar o poder e derrotar Maximus.

“Fora, Raio”. Maximus dá um golpe e toma o poder.

As críticas negativas aos dois primeiros episódios (a série terá oito, no total) foram um tanto quanto exageradas. É verdade que os efeitos especiais para representar os poderes de cada inumano são bem fracos e limitados em comparação ao que estamos acostumados a ver nos outros filmes da Marvel, mas para o nível de uma série de TV, com orçamento limitado, não fazem feio. Os cabelos da Medusa, tão aguardados pelos fãs, tiveram um recurso econômico que, provavelmente vão desagradar muita gente e gerar muitas críticas. Os cenários também são limitados – a maior parte do filme se passa no palácio real – com algumas panorâmicas que mostram toda cidade de Attilan e externas com as belas paisagens do Havaí. No entanto, isso pode mudar ao longo dos próximos episódios.

Terrigênese em Agentes da Shield é diferente da dos Inumanos

Sobre a história em si, vale lembrar que os Inumanos nunca foram personagens com grande apelo e tiveram raras histórias realmente relevantes no Universo Marvel. Portanto, o que é mostrado nas telas não é nem mais nem menos do que o esperado. O que faltou, talvez, foi uma ligação com a série Agentes da Shield, já que foi lá que o conceito dos Inumanos foi apresentado inicialmente – a terceira temporada, inclusive, trabalhou esse tema fortemente. A própria Terrigênese é diferente da mostrado na série, assemelhando-se mais aos quadrinhos e distanciando-se do conceito de universo unificado tão comum nos filmes da Marvel. Mesmo assim, os episódios têm ação, drama e conflitos na medida certa e não fazem feio.

Alerta: passear com seu cãozinho no meio do trânsito pode provocar acidentes.

Diferente do que aconteceu com Agentes da Shield, onde os personagens eram inéditos e os super-heróis não eram uma constante (começaram a aparecer depois, com a queda na audiência), Inumanos já começa com o universo heroico e, só por isso, já é um ponto positivo. Maximus está o perfeito vilão de quadrinhos: cruel, dissimulado, ambicioso e capaz de tudo para atingir seus objetivos, inclusive trair a própria família. E Dentinho, claro, será o favorito de todos. Não tem como não amar aquele cachorrão gigante com fofura pra dar e vender. Todo mundo vai querer uma pelúcia dele pra ontem!

Quem resiste a tanta fofura?

Inumanos é uma série curta, criada nos moldes de Agente Carter – para preencher o espaço de estreias e não precisar interromper a temporada na metade para as férias de final de ano. A diferença é que a série estrelada por Hayley Atwell estava intimamente ligada aos agentes secretos enquanto que Inumanos se distanciou desse contexto. Se os futuros episódios vão estabelecer uma ligação ou se a série vai manter a exclusividade, só o futuro dirá. O que se sabe, no entanto, é que Inumanos trouxe mais uma superequipe dos quadrinhos à vida de forma satisfatória. Os fãs não têm do que reclamar.

Cotação: 

Crítica: Os Defensores

Estreou ontem na Netflix a aguardada série Os Defensores, que conclui a primeira fase das séries do canal streaming em parceria com a Marvel Studios. Após duas temporadas de Demolidor (2015-2016) e uma de Jessica Jones (2015), Luke Cage (2016) e Punho de Ferro (2017), a série reúne os heróis numa conspiração criada pelo Tentáculo, organização criminosa que esteve presente nas séries anteriores. O elenco secundário de todas as séries tem participação em algum momento, mostrando uma coesão minuciosamente organizada, para dar aos fãs a sensação perfeita de que os heróis fazem parte do mesmo universo.

Estreia dos heróis unidos pela casualidade

Nos quadrinhos, a equipe dos Defensores estreou na revista Marvel Feature 1 (1971) e é formada pelo Dr. Estranho, Hulk e Namor, que se uniram casualmente para combater uma ameaça comum. Mais tarde, juntaram-se ao grupo o Surfista Prateado, Valquíria e Gavião Noturno. Diferente das outras superequipes, como Vingadores ou X-Men, os Defensores não reúnem numa sede com computadores e dali decidem suas ações heroicas. Cada herói vive sua vida particularmente e eles só se juntam quando a ocasião assim o exige.

Daniel é parceiro de Luke, que ama Jessica, que é defendida por Matt, que luta contra o Tentáculo, assim como Daniel. Nada em comum?

Essa premissa permitiu que a equipe tivesse várias formações diferentes ao longo dos anos e, dessa forma, deu abertura para que ganhasse uma conotação totalmente renovada na TV, unindo os heróis das séries independentes que, teoricamente, nada têm em comum, mas cujas habilidades se completam, como nas HQs. Mais enxuta que as séries anteriores, Os Defensores possui apenas oito episódios (contra treze de cada uma de suas antecessoras) e, para fazermos esta crítica, assistimos os cinco primeiros.

Não, um elevador não é uma boa sede para superequipes

O que vimos foi um roteiro primorosamente escrito, que começa lidando individualmente com cada personagem, criando as ramificações para a união deles. A série começa com o Punho de Ferro (Finn Jones) numa luta com uma assassina misteriosa a serviço do Tentáculo. As pistas o levam a Nova York. Matt Murdock (Charlie Cox), aposentado de sua carreira heroica de Demolidor, atua apenas como advogado. Jessica Jones (Krysten Ritter) é procurada por uma esposa preocupada com seu marido e vai investigar o paradeiro dele após receber uma ligação misteriosa. Luke Cage (Mike Colter) sai da prisão após a ação de Foggy Nelson, advogado e ex-parceiro de Matt, e logo se mete numa investigação do envolvimento de um jovem no que ele pensa ser o tráfico de drogas no Harlem.

Alexandra: vilão com profundidade e boa motivação.

Nesse cenário, surge Alexandra (Sigourney Weaver), uma poderosa líder da organização, que provoca um terremoto na cidade para forçar o Punho de Ferro a se revelar. A confusão provocada pelo abalo sísmico e as investigações particulares de cada herói culminam na reunião casual deles contra os assassinos do Tentáculo e, apesar da apatia inicial, eles logo entendem que precisam se unir se quiserem ser fortes suficientes para desmantelar a seita, principalmente após a chegada de Stick (Scott Glenn), que serve de guru para o grupo. É brilhante a forma como a união acontece, pois tudo se encaixa, como um grande quebra-cabeças, unindo elementos das quatro séries e dando sentido ao contexto.

Stick é o mentor da equipe

A série segue num nível que melhora a cada episódio, com um primeiro capítulo morno, onde os fatos e os personagens são apresentados, um segundo melhor (com o primeiro encontro de Luke Cage e Punho de Ferro, para delírio dos fãs de quadrinhos, já que a dupla formou uma parceria bastante famosa no final da década de 1970), um terceiro melhor ainda e assim por diante. Cada episódio é repleto de bons momentos e ótimas atuações, principalmente pela veterana Sigourney Weaver, que consegue transformar uma personagem insossa e criada exclusivamente para a série numa vilã com motivação e profundidade.

Luta no corredor: uma característica das séries Netflix.

O texto dá espaço para que cada herói tenha o seu momento e o elenco auxiliar também tem sua relevância na história e não estão ali apenas para cumprir um contrato. Um problema que poderia ser melhorado está na descrição das legendas, que muitas vezes utiliza nomes em inglês – caso do vilão Cascavel (da série Luke Cage) que é mencionado com seu nome original, Diamondback – ou mal traduzidos, demonstrando uma falta de pesquisa e conhecimento dos personagens.

Sim, a Marvel vai ressuscitar a equipe nas HQs em sua formação da TV.

As séries individuais dos heróis dividiram as opiniões – exceção feita ao Demolidor, que manteve o alto nível em ambas as temporadas – com alguns problemas na condução das tramas, algumas estendidas demais e outras na caracterização dos personagens. De modo geral, porém, a Marvel e a Netflix apresentaram um bom produto que Os Defensores fecha com chave de ouro. Além da futura série do Justiceiro (marcada ainda para 2017, mas sem data confirmada) e das novas temporadas dos outros personagens, não se sabe o que virá por aí na “Fase 2” da Netflix. Não devemos esperar grandes novidades, mas, em vista do que já foi apresentado, sabemos que virá coisa boa. Material para isso, a Marvel tem.

Cotação: 

 

Saído do Forno: Comunhão

Produzir quadrinhos no Brasil não é uma tarefa muito simples se você não se chama Mauricio de Sousa. Porém, o mercado tem espaço para bons trabalhos que, a exemplo do célebre cartunista, decidem não ficar choramingando a falta de oportunidades, mas correm em busca delas. É o caso do ator e roteirista Felipe Folgosi, que acaba de lançar seu novo álbum, Comunhão, publicado sob a batuta do Instituto dos Quadrinhos e financiada pelo site Catarse em 2016.

Comunhão também foi financiada pelo site Catarse

Em 2015, Folgosi já havia lançado a HQ Aurora (leia nossa crítica aqui), também confiando na colaboração dos leitores interessados, que, literalmente, “pagaram para ver” a obra pronta. E tanto valeu a pena que o autor repetiu a dose, com vários atrativos que superam o álbum anterior. Para começar, a obra fugiu ao tamanho tradicional: enquanto Aurora seguia o tamanho americano (17cm X 26cm), Comunhão chega com 22,3 cm X 31 cm, formato maior do que a revista Veja, para comparar. Além disso, o álbum tem 144 páginas, 36 a mais do que o anterior. Com este formatão, é possível apreciar melhor a arte de J. B. Bastos, parceiro de Folgosi neste projeto.

O artista J. B. Bastos já trabalhou com o tema “terror” em HQs gringas.

A arte, aliás, é outro diferencial: em Comunhão, o autor optou por desenhos em preto e branco, uma vez que a trama segue pelo gênero do terror e as antigas revistas do gênero seguiam o estilo sem cor. Bastos, que já trabalha nos títulos Night Trap e Knight Rider (quadrinhos da antiga série de TV A Super Máquina), da Lion Comics, tem o ritmo de quadrinhos de terror e soube criar quadros com momentos bem tensos e assustadores. O roteiro, segundo o autor, foi fruto de uma conversa com um amigo há 10 anos, no qual este lhe sugeriu que escrevesse um roteiro de terror. A princípio resistente, Folgosi resolveu seguir o conselho e idealizou uma história que se passasse no Brasil e fosse realista, mas mexendo com o psicológico.

Felipe deu o sangue para publicar esta edição.

Na trama da HQ, Amy é uma atleta que decide encerrar sua carreira após um trauma com um acidente, encontrando um sustento na fé. Anos depois, ao realizar uma trilha na floresta amazônica com um grupo de amigos, acaba se metendo numa série de eventos que separam uns dos outros e os colocam em contato com vários perigos da região. Em busca da sobrevivência, Amy e seus amigos são confrontados com seus próprios instintos e a ex-atleta encontra o outro lado da religião, repleto de violência e morte.

A HQ tem momentos bem pesados e assustadores.

Embora apele para o lado religioso, a HQ não é doutrinária – embora deixe a lição de que a fé pode fortalecer em momentos difíceis e até formar o caráter, tanto para o bem quanto para o mal. O título tem a ver com a Última Ceia, mas pode chocar leitores mais conservadores e sensíveis (lembrando que é uma HQ de terror, não religiosa…). Não por acaso, o título é recomendado para maiores de 16 anos, pois está repleto de cenas de violência explícita. No entanto, a história é bastante envolvente e nos faz ficar ansiosos pelo desenrolar dos eventos.

Felipe Folgosi autografa sua obra, no lançamento (Foto: arquivo pessoal do autor)

Também merece menção o ajuste nos nomes dos colaboradores. Em Aurora, as pessoas que ajudaram a financiar o projeto no Catarse, tiveram seus nomes impressos na terceira capa, em sequência e sem qualquer ordem, dificultando para a pessoa encontrar-se no meio da multidão de nomes. Em Comunhão, os apoiadores foram organizados em ordem alfabética, separados em três colunas, muito mais agradável de se ler.

Arte de Luke Ross para promover a obra.

A única crítica vai para a capa da HQ, desenhada por Will Conrad e Ivan Nunes. Sem desmerecer os artistas, que fizeram um belíssimo trabalho, mas o desenho pouco lembra o conteúdo da trama. Tem, sim, uma referência aos fatos que deflagraram toda história, mas não condiz com a trama em si. Em questão de adequação ao tema, é muito mais apropriada a arte feita por Luke Ross, usada para divulgação do álbum. Mas, como diz o ditado, não se deve julgar um livro pela capa e, no caso de Comunhão, o dito é verdadeiro. Folgosi superou a si mesmo neste ótimo trabalho e quem ganha somos nós, leitores.

Leituras da Semana – Julho (4)

Com a frente fria que atacou São Paulo nesta semana, nada melhor que ler embaixo dos cobertores depois de um bom banho quente. Eu, que detesto frio, poderia ficar o dia todo nessa, se não tivesse que trabalhar. Como não sou político e tenho que ir à luta pra pagar as contas, não deu pra ler muita coisa, mas ainda deu para salvar alguma coisa, que resenho abaixo:

A Liga da Justiça enfrenta seus próprios medos

Liga da Justiça 4 (jul/2017) – Inicia-se um novo arco, onde uma estranha criatura é capaz de impor medo em todos os heróis da Liga, incluindo o Batman e os Lanternas Verdes – que, diga-se de passagem, são personagens totalmente inúteis. De qualquer forma, a HQ tem bons momentos, como o encontro romântico do Flash com a Lanterna Jessica Cruz e a luta entre o Batman e o Superman.

História continua em outro título: receita para perder leitores.

Batman 4 (jul/2017) – Na conclusão do arco de Gotham e Gotham Girl, o Batman tenta ajudar a garota, que foi afetada pelo Pirata Psíquico e está agindo insanamente pela cidade. Depois, tem início um novo arco, A Noite dos Homens-Monstro, que vai se estender também pela revista Detective Comics. E aqui termina minha leitura pela revista do Homem-Morcego, pois além da história ser ruim, ainda vai ter continuação em outra revista que não compro. É o tipo de estratégia editorial que, mais do que atrair, afasta os leitores.

Edição acima da média.

Superman 4 (jul/2017) – No final do arco O Filho do Superman, o Homem de Aço faz de tudo para defender sua família contra o poder do Erradicador. A história termina perfeitamente e marca a estreia oficial de um novo herói no Universo DC. A segunda história traz um momento família do herói de Krypton, com humor, ternura e aventura também, embora num ritmo mais leve. Mostra porque o Superman é o maior herói de todos, mesmo que não precise usar uniforme.

Boas histórias, mas narrativa dispersa

Homem de Ferro 8 (jul/2017) – Tony Stark continua a busca pelos seus verdadeiros pais em mais uma dose dupla da edição americana International Iron Man. As histórias são boas, mas o estilo narrativo atual ainda me incomoda, com uma “linha do tempo” que parece um jogo de montar, alternando entre datas aleatoriamente e fora de ordem para mostrar eventos que influenciaram o hoje. Deve haver algum problema na mente dos roteiristas para primeiro mostrar todo o passado para depois narrar a história atual sem precisar desse vai-e-vem constante. Tudo bem que seja um recurso literário válido, mas usado constantemente, perde seu impacto. Infelizmente, não é estilo de um único roteirista, mas se repete em todas as HQs modernas. Acabou a história com começo, meio e fim: hoje, temos a história com meio, começo, meio, fim, meio, começo e antes do começo. Por fim, a edição também anuncia oficialmente o início da saga Guerra Civil II para setembro, o que significa que a edição de agosto ainda terá HQs genéricas do Vingador Dourado.

Crítica: Homem-Aranha – De Volta ao Lar

Estreou, em 6 de julho, o primeiro longa-metragem do Homem-Aranha produzido pela Marvel Studios, depois de vários anos nas mãos da Sony. Os direitos do personagem continuam com a distribuidora, fruto de um contrato feito nos anos 1990, para evitar a falência da Marvel, mas um acordo entre os dois estúdios fez com que o aracnídeo pudesse ser feito por quem realmente entende dele, ou seja, sua casa-mãe. E é claro que a Marvel não ia perder a piada: o título Homem-Aranha – De Volta ao Lar (2017) é uma referência clara a esse fato.

“Oi, galera!” Herói estreou ano passado, em plena Guerra Civil.

A estreia do herói se deu brevemente em Capitão América: Guerra Civil (2016) e deixou os fãs empolgados com a divertida participação do Aranha, bastante fiel à sua versão em quadrinhos – ao contrário do que aconteceu nas franquias anteriores, quando foi interpretado por Tobey Maguire (2002-2004-2007) e Andrew Garfield (2012-2014). Em De Volta ao Lar, a história começa com essa participação do jovem Peter Parker (Tom Holland) em Guerra Civil, narrada pelo ponto de vista do rapaz. Ao final da batalha, Tony Stark (Robert Downey Jr.) leva Peter de volta pra casa e deixa com ele o traje tecnológico do Homem-Aranha como um presente (na verdade, uma espécie de pagamento por seus “serviços”. Sim, Tony Stark é um canalha!).

Shocker também causa problemas pro nosso herói

A partir daí, Peter passa a agir na cidade com mais intensidade (ele já agia antes, com um traje caseiro, mas depois de Guerra Civil, se tornou uma celebridade) e esbarra nas atividades do Abutre (Michael Keaton), que agia como traficante de armas baseadas na tecnologia Chitauri, espalhada por Nova York após a batalha contra os Vingadores, mostrada no filme de 2012. Junto a ele estão o Consertador (Michael Chernus), responsável pela construção dos equipamentos, e o Shocker (Logan Marshall-Green e Bokeen Woodbine – vendo o filme, vão entender o motivo de ter dois atores para o mesmo personagem), seu capanga.

Betty, Flash, Liz, Ned, Michelle e Peter: amigos do peito.

Enquanto tenta provar que é um super-herói capaz de solucionar o crime na sua cidade e fazer uma média com Stark, Peter gasta o restante de seu tempo com problemas típicos de qualquer adolescente: os estudos no colégio Midtown, a paixão contida por Liz Allen (Laura Harrier), a amizade nerd com Ned Leeds (Jacob Batalon) e a rivalidade com Flash Thompson (Tony Revolori). Isso até o Abutre decidir que o Homem-Aranha é um incômodo que precisa ser eliminado.

“Não tente brilhar mais que eu nesse filme, pirralho!”

Ao contrário do que transpareceu nos trailers, o filme não é uma espécie de Homem de Ferro 4 e a participação do Vingador Dourado está ali apenas como apoio mesmo. O astro é o Homem-Aranha, como pede o título, e o filme resgata a jovialidade das primeiras aventuras do personagem, com muito bom humor e trata o aracnídeo como o adolescente que era em início de carreira – mas adaptado aos dias atuais, com muita tecnologia de celulares e Internet. Longe de (re) contar a origem do Homem-Aranha, que todos já estão carecas de saber, a trama vai direto à ação e brinca com toda inexperiência do rapaz. Imagine um garoto de 15 anos que, de repente ganhasse habilidades fantásticas… Não tem nada de “grandes poderes e grandes responsabilidades”: o que Peter quer é fazer o que é certo e ajudar as pessoas usando seus superpoderes – o que nem sempre dá muito certo. E é aí que está a graça da coisa.

“Eu só queria ajudar…”

Para os fãs puristas, o novo Homem-Aranha, embora seja o mais próximo dos quadrinhos já apresentado nos últimos 15 anos (40 anos, se considerarmos também a versão da série de TV), ainda não é o herói ideal. No filme, Peter é um perfeito pateta e, na maioria das vezes, causa mais dano do que ajuda (sabe a cena do navio partido ao meio mostrado no trailer? Pois é…). Essa versão poderia atuar junto com o Superman de Henry Cavill e concorrer a quem destrói mais a cidade tentando salvá-la. O humor do filme não está nas tiradas geniais que o herói sempre teve durante suas lutas, mas sim nas trapalhadas que ele provoca ou nas situações em se envolve, quase como um Jim Levenstein, o protagonista da franquia American Pie.

Escalando a pilha de referências.

O fato é que o tom do filme puxou bastante para uma comédia juvenil, muito mais do que para uma aventura de super-heróis, fruto das inspirações do próprio diretor Jon Watts, que assumiu ser fã dos filmes do roteirista e diretor John Hughes, como Curtindo a Vida Adoidado (1986). Não chega a ser um incômodo – ao contrário, é um filme leve e divertido de se ver, com um roteiro inteligente e muito bem conduzido, capaz de encaixar o herói dentro do Universo Cinematográfico da Marvel com referências desde a Homem de Ferro (2008), passando por Capitão América: O Primeiro Vingador (2011), além dos dois longas dos Vingadores (2012-2015) e o óbvio Guerra Civil. Referências aos quadrinhos são inúmeras e deliciosas de se encontrar e vão desde personagens a fatos históricos da carreira do herói aracnídeo.

Michael Keaton dá um show

Sobre Michael Keaton, interpretando o Abutre, há pouco a se dizer além de que o ator é perfeito e merece o título de Lord of the Wings (Senhor das Asas, piada que tem circulado na Internet e cuja tradução perde a referência a Lord of The Rings, o Senhor dos Anéis). Um único porém é o modo como seu personagem é caracterizado, parecendo mais um Norman Osborn genérico, pelas características mostradas no filme e que não vamos dizer quais são para não revelar spoilers. No entanto, esses defeitos passam batido no contexto geral e o Abutre é, talvez, um dos melhores vilões dos filmes da Marvel, ao lado do Dr. Octopus de Alfred Molina. Uma verdadeira ameaça, com motivações sólidas e não apenas um desejo inexplicável de dominar o mundo.

“Bem-vindo de volta, parceiro. Você fez falta.”

Mesmo com esses poucos defeitos, Homem-Aranha: De Volta ao Lar é um mais que bem-vindo retorno do Cabeça-de-Teia à Casa das Idéias, numa aventura totalmente integrada ao Universo Marvel e boas chances de gerar novas continuações de sucesso. Por enquanto, vamos nos contentar com a participação do Aranha nas duas partes de Vingadores: Guerra Infinita (2018/2019), que, esperamos, seja bem explorada. Finalmente, o Homem-Aranha voltou pra casa (mesmo que emprestado) e pode mostrar a todos o porquê dele ser o mais popular de todos os super-heróis.

Cotação: 

Crítica: Guerra Geek – Episódio 1 – A Ameaça das Vizinhas

Há pouco mais de uma década, ser rotulado como nerd era algo pejorativo e discriminatório, motivo de muita humilhação e exclusão social – ao menos, na maioria dos casos. Porém, Hollywood descobriu esse filão e com a avalanche de filmes no cinema e séries de TV, o termo acabou se popularizando de tal forma que a situação se inverteu: hoje, o excluído é quem não é nerd, pois fica totalmente por fora do assunto nas rodas de conversas no bar da esquina.

Nerdice tripla

Essa moda chegou também ao teatro: a peça Guerra Geek – Episódio 1: A Ameaça das Vizinhas estreou neste final de semana no Teatro UMC (Av. Imperatriz Leopoldina, 550 – Vila Leopoldina – SP) e trata o universo da cultura pop de forma simples e divertida, com um elenco enxuto e sem a necessidade de grandes recursos cenográficos. Apenas um sofá, uma mesa e uma estante, para retratar o apartamento de três jovens nerds – Bruce (Matt Torres), Jhonny (Giacomo Biaggio) e Kiko (Dvd Castillo), que vivem uma vida regada a quadrinhos e videogame.

Cenário enxuto com recursos audiovisuais que lembram um balão de HQ.

A situação se complica com a chegada de Ana (Leticia Scopetta) e Linda (Giovana Previero), duas novas vizinhas que se mudam para o apartamento da frente e, apesar dos alertas de Bruce, que vê nas moças uma ameaça à vida pacata e quase celibatária que levavam, acabam causando uma revolução na vida do trio, que passa a disputar a atenção e o interesse das garotas – e são três para dois, o que vai causar uma guerra de interesses. Além do cenário único, o espetáculo conta com o auxílio de um telão que imita um balão de histórias em quadrinhos, onde são mostrados audiovisuais que ilustram o pensamento ou a fala dos personagens.

Texto bebe na fonte da série The Big Bang Theory

O texto, abertamente influenciado pela série de TV The Big Bang Theory, não se poupa de zombar de vários estereótipos: além do nerd (antissocial, sem sorte com mulheres, fã de super-heróis), há também o gordinho, a loira burra, o gay não assumido, mas totalmente afeminado… um clima descontraído que exagera propositalmente nas características, mas sem a intenção de ofender nenhuma “tribo” – mesmo assim, certamente será um prato cheio para a galera do politicamente correto ter assunto por um mês nas redes sociais.

O pomo da discórdia

Quem gosta de ir ao teatro com a intenção de descobrir o sentido da vida, certamente vai se decepcionar com a Guerra Geek, que não tem o objetivo de revelar os segredos do universo. Porém, se você quer apenas uma diversão descompromissada e aprender a rir de si mesmo e das situações do cotidiano, a peça cumpre bem o papel. O próprio elenco parece se divertir enquanto atua e passa essa sensação à plateia. Apesar do detalhe no título do espetáculo, os atores informam que o Episódio 2 não está confirmado e vai depender da aceitação do público. Mas, considerando o interesse das pessoas na temática geek/nerd, podemos aguardar para breve o ataque dos clones de Bruce, Jhonny e Kiko. Ou, quem sabe, de Ana e Linda.

Guerra Geek – Episódio 1: A Ameaça das Vizinhas está em cartaz nas sextas-feiras de junho (16, 23 e 30) às 21h e nos domingos de julho (02, 09, 16, 23 e 30) às 19h. Em agosto, única apresentação, no dia 6, às 19h. Os ingressos custam R$ 25 (meia entrada) e R$ 50 (inteira). O Teatro UMC fica na Av. Imperatriz Leopoldina, 550 – Vila Leopoldina – SP – a 550 m da estação Imperatriz Leopoldina (Linha 8) da CPTM.